Le pitch du livre :

Avec Ogoniok, Sergio Toppi nous plonge dans une série de récits courts, ciselés comme des éclats de verre, oscillant entre conte, légende et fable morale. L’album rassemble plusieurs histoires situées dans une Russie rêvée, où la neige, l’orthodoxie, la superstition et les échos du pouvoir tissent une atmosphère profondément singulière. Ogoniok — « petite flamme » — est à la fois un fil narratif et un symbole : celui de la vitalité, de l’espoir fragile, parfois aussi de la colère humaine. À travers ces fragments narratifs se dessine un univers rude, presque intemporel, où les destins basculent sous le poids de la tradition, du sacré et du mystère. Toppi y explore la frontière poreuse entre vérité et croyance, entre justice et vengeance, entre le réel et l’allégorie. Chaque histoire fonctionne comme une énigme ouverte, à la fois limpide et envoûtante.

Ogoniok n’est pas un simple recueil : c’est un territoire graphique et littéraire qui porte la signature d’un auteur hors norme. Toppi utilise la Russie comme matériau, non comme reconstitution historique. La géographie y est mentale, presque mythologique. Les personnages — soldats cosaques, marchands taciturnes, vieillards dépositaires d’un savoir ancestral — avancent comme des silhouettes prises dans le vent d’une épopée invisible. Chaque récit possède la forme d’une parabole. L’intrigue, souvent minimaliste, sert de pivot à une réflexion plus vaste sur la condition humaine : la cupidité, la peur, le courage, la transmission. Rien n’est explicitement démontré ; tout est suggéré, sculpté dans le noir et blanc.Toppi laisse au lecteur le soin de combler les vides. Et c’est dans ces silences, ces omissions volontairement laissées en suspens, que réside la puissance émotionnelle de l’album. Parler d’Ogoniok, c’est nécessairement évoquer le style inimitable de Sergio Toppi, véritable monument du neuvième art. Toppi n’utilise pas le noir et blanc comme une simple absence ou une opposition. Chez lui, les hachures forment un tissu organique. Elles sculptent les visages, creusent les ombres, modèlent les volumes. Une seule planche suffit pour reconnaître immédiatement sa main. Le trait est à la fois sauvage et rigoureux, intuitif et construit. Là où beaucoup de dessinateurs organisent la page en séquences, Toppi la pense comme un tout. Il casse les cadres, fait circuler le regard non pas de case en case, mais de motif en motif. Les visages, souvent gigantesques, deviennent des paysages. Les silhouettes se superposent à des motifs géométriques ou symboliques. Le cadre ne limite jamais : il ouvre. Toppi ne remplit pas : il sculpte. Ses noirs profonds, presque minéraux, sont des masses qui décident du rythme et de la dramaturgie. Ils fonctionnent comme des respirations, des points d’orgue. On retrouve chez lui la matérialité d’un Gustave Doré, la densité d’un Rembrandt, mais avec une liberté moderne, souveraine. Toppi ne copie aucun maître : il en devient un.

Comme souvent avec les œuvres de Toppi, l’édition française de Ogoniok publiée par Mosquito témoigne d’un soin réel ; impression très fidèle aux originaux, essentielle pour restituer la finesse des hachures ; mise en page aérée, respectueuse des planches ; couverture élégante, sobre et iconique ; traduction et rédaction éditoriale qui éclairent l’univers sans l’alourdir.

Mosquito est l’un des éditeurs ayant le plus contribué à rendre disponible l’œuvre de Toppi en France, avec une constance exemplaire.

Sergio Toppi (1932–2012) est un dessinateur et illustrateur italien dont l’influence dépasse largement le cadre de la bande dessinée. Après des débuts dans l’animation et l’illustration jeunesse, il se fait remarquer dans les années 1960 grâce à des récits courts publiés dans des magazines européens.Il développe rapidement un style radicalement personnel, fondé sur le noir et blanc et une composition de page révolutionnaire.  Il publie au cours de sa carrière plusieurs dizaines d’albums et de récits, souvent inspirés d’univers historiques ou mythologiques : Afrique, Moyen-Orient, Amérique précolombienne, Sibérie, Italie médiévale…
Il travaille pour des éditeurs français, italiens, espagnols et américains, et influence des générations entières d’auteurs (G. Rossi, E. Breccia, A. Barbucci, ou encore des artistes conceptuels de l’industrie du jeu vidéo). Son œuvre est aujourd’hui reconnue comme l’une des plus singulières et des plus poétiques du neuvième art.

Le pitch du livre :
Dans l’Amérique contemporaine, Valentina Tran, jeune Américaine d’origine vietnamienne, navigue entre traditions familiales, quête d’identité et premiers émois amoureux. À l’approche du Nouvel An lunaire, elle se retrouve plongée dans une aventure intime et universelle, où la mémoire, la famille et l’amour s’entremêlent. Lunar New Year Love Story est un roman graphique à la fois tendre et profond, qui explore la complexité des liens familiaux, le poids de l’héritage culturel et la magie des nouveaux départs.

Bien plus qu’une simple romance adolescente, ce livre est une fresque sensible sur la transmission, le deuil et la reconstruction de soi. Dès les premières pages, le lecteur est frappé par la délicatesse du trait de LeUyen Pham, qui mêle douceur, expressivité et inventivité graphique. Les planches, baignées de couleurs chaudes, évoquent à la fois la nostalgie des souvenirs et la lumière des espoirs nouveaux. Les scènes de fête, les rituels du Nouvel An, les gestes du quotidien sont restitués avec une justesse rare, rendant hommage à la richesse des cultures asiatiques-américaines. L’univers de Lunar New Year Love Story s’inscrit dans la tradition du roman graphique contemporain, où l’intime rejoint l’universel. Chaque chapitre explore un thème fort : la transmission familiale, la difficulté de s’affirmer face aux attentes, la découverte de l’amour et la nécessité de pardonner. Ces récits, bien que centrés sur une expérience particulière, résonnent avec une acuité troublante dans notre société multiculturelle. Le personnage de Valentina, à la fois fragile et déterminée, incarne la jeunesse d’aujourd’hui : tiraillée entre plusieurs mondes, mais avide de sens et d’authenticité. Sa quête d’identité, ponctuée de doutes et de révélations, la conduit à s’interroger sur ses racines, ses rêves et ses choix. Les personnages secondaires, qu’il s’agisse de membres de la famille ou d’amis, sont tous finement dessinés, apportant chacun une nuance à ce tableau familial.

Le scénario de Gene Luen Yang, lauréat de multiples prix Eisner, est d’une grande finesse. Il mêle humour, émotion et réflexion sociale avec une fluidité remarquable. Les dialogues sont ciselés, les silences éloquents, et la narration, souvent introspective, donne une profondeur psychologique à l’ensemble. Le rythme est maîtrisé, alternant scènes de fête, moments de doute et instants de grâce.

Publié par First Second, éditeur emblématique du roman graphique américain, Lunar New Year Love Story bénéficie d’une édition soignée, avec un grand format, des bonus graphiques et une qualité d’impression irréprochable. L’album a été salué par la critique et le public, remportant plusieurs prix Eisner en 2025, dont celui du meilleur album, du meilleur scénario et de la meilleure publication pour adolescents. Il s’impose déjà comme l’un des chefs-d’œuvre du neuvième art contemporain.

Lunar New Year Love Story est une œuvre incontournable, qui allie beauté graphique, profondeur narrative et engagement social. Elle ravira les amateurs de roman graphique, les passionnés de cultures du monde et tous ceux qui cherchent une bande dessinée intelligente, sensible et lumineuse.

Gene Luen Yang
Né le 9 août 1973 à Fremont (Californie), Gene Luen Yang est un scénariste et auteur de bande dessinée américain d’origine chinoise. Il a débuté sa carrière après des études en informatique à l’université de Berkeley, tout en enseignant en parallèle. Il publie notamment American Born Chinese (2006), premier roman graphique à remporter le Printz Award de l’ALA et finaliste du National Book Award. Il reçoit également un Eisner Award pour ce titre. Sa carrière compte plusieurs succès, Boxers & Saints, Dragon Hoops, et des travaux pour Superman et Avatar: The Last Airbender. En 2016, il est nommé Ambassadeur littéraire national pour la littérature jeunesse et obtient la prestigieuse bourse MacArthur Fellowship.

LeUyen Pham
Née le 6 septembre 1973 à Saïgon (Vietnam), LeUyen Pham émigre très jeune aux États-Unis et obtient en 1996 un Bachelor of Arts à l’Art Center College of Design. Elle commence sa carrière comme layout artist chez DreamWorks Animation (1996–1999), puis se consacre pleinement à l’illustration de livres pour enfants et de romans graphiques. Elle compte à son actif plus de 120 ouvrages, dont plusieurs séries à succès (Princess in Black, Real Friends) et a reçu un Caldecott Honor en 2020 pour Bear Came Along. Elle illustre aussi Lunar New Year Love Story, acclamé par la critique et récompensé par plusieurs Eisner Awards.

Le pitch du livre :
En 1913, dans les eaux mystérieuses du Pacifique Sud, la guerre gronde et les destins se croisent. Pris dans la tourmente, Corto Maltese, marin sans attaches, et Raspoutine, pirate sanguinaire, recueillent deux naufragés, Pandora et Caïn. Ensemble, ils affrontent tempêtes, trahisons et rêves de liberté, sous l’œil du mystérieux Moine. La Ballade de la mer salée est une fresque d’aventure, de poésie et de mélancolie, où l’océan devient le théâtre des passions humaines.

Le style graphique de Pratt est immédiatement reconnaissable et a profondément marqué la bande dessinée européenne. Là où Juanjo Guarnido (Blacksad) par exemple impressionne par la richesse du détail, la couleur et la virtuosité du trait, Pratt choisit l’épure et la suggestion. Son dessin, en noir et blanc, joue sur les contrastes, les ombres portées et les blancs laissés en réserve. Les décors sont souvent esquissés, les arrière-plans parfois absents, laissant toute la place à l’imaginaire du lecteur. Cette économie de moyens donne à chaque case une force évocatrice singulière : un simple regard, une silhouette sur un quai, un horizon marin suffisent à créer l’atmosphère. Pratt maîtrise l’art du silence et du non-dit. Les dialogues sont sobres, parfois elliptiques, et laissent place à la poésie des images. Les personnages, stylisés mais expressifs, semblent toujours en mouvement, portés par le vent de l’aventure. L’influence du cinéma, du roman noir et de la littérature anglo-saxonne se ressent dans la composition des planches, le découpage cinématographique et le rythme narratif. Pratt privilégie l’ambiance à l’action, la suggestion à la démonstration, et fait de la mer un personnage à part entière, tour à tour complice, menace ou refuge. Corto Maltese est une invitation à larguer les amarres, à explorer les frontières du réel et de l’imaginaire, et à suivre, le temps d’un album, le sillage d’un marin libre et rêveur.

Hugo Pratt est né en 1927 à Rimini, en Italie. Il passe son enfance en Éthiopie, où son père, militaire, est en poste. De retour en Italie pendant la Seconde Guerre mondiale, il découvre la bande dessinée américaine et commence à dessiner très jeune. Dans les années 1950, il s’installe en Argentine, où il collabore avec de grands scénaristes et affine son style. En 1967, il crée Corto Maltese, personnage emblématique de l’aventure et de la liberté, avec La Ballade de la mer salée. Pratt impose un style graphique épuré, jouant sur les ombres et la suggestion, et une narration poétique, influencée par la littérature et le cinéma. Il publie de nombreux albums, explorant l’histoire, les mythes et les cultures du monde entier. Son œuvre, traduite dans de nombreuses langues, a révolutionné la bande dessinée adulte. Pratt s’éteint en 1995, laissant un héritage majeur et une figure mythique du neuvième art.

Le pitch du livre :
Dans la France rurale du début des années 2000, Marco, photographe trentenaire en proie à l’angoisse et au doute, tente de donner un sens à sa vie. Entre ses relations familiales complexes, ses souvenirs d’enfance, ses amitiés fragiles et ses amours naissantes, il mène un combat quotidien contre ses propres démons. Le Combat Ordinaire est une chronique douce-amère de la vie ordinaire, où chaque petite victoire sur soi-même prend des allures d’exploit.

Bien plus qu’une simple bande dessinée autobiographique, Le Combat Ordinaire est une œuvre universelle sur la difficulté de grandir, d’accepter le changement et de trouver sa place dans le monde. Manu Larcenet y déploie un récit d’une grande sensibilité, oscillant entre humour, émotion et réflexion existentielle. Le dessin, faussement naïf, exprime avec justesse la fragilité des personnages et la beauté des instants simples. Les paysages, les silences, les regards : tout concourt à créer une atmosphère intimiste et authentique.

L’album aborde des thèmes profonds tels que la transmission familiale, la maladie, la peur de l’avenir, la mémoire et la résilience. Marco, anti-héros attachant, incarne les doutes et les espoirs d’une génération en quête de sens. Son parcours, semé d’embûches et de remises en question, résonne avec force auprès des lecteurs, qui se reconnaissent dans ses failles et ses aspirations.

Le scénario de Manu Larcenet est d’une grande finesse. Il alterne scènes du quotidien, dialogues ciselés et moments de poésie, offrant une narration fluide et immersive. Les personnages secondaires, qu’il s’agisse de la famille de Marco, de ses amis ou de ses collègues, sont tous d’une grande humanité, apportant profondeur et réalisme à l’ensemble.

Publié chez Dargaud, Le Combat Ordinaire bénéficie d’une édition soignée, avec un format agréable et une impression de qualité. La série a été saluée par la critique et le public, remportant notamment le Fauve d’Or (Prix du meilleur album) au Festival d’Angoulême en 2004. Elle est aujourd’hui considérée comme un classique de la bande dessinée contemporaine, traduite dans de nombreuses langues et adaptée au cinéma.

Le Combat Ordinaire est une œuvre incontournable, qui allie justesse du propos, beauté graphique et émotion sincère. Elle touchera tous ceux qui cherchent une bande dessinée profonde, humaine et lumineuse.

Manu Larcenet, né en 1969 à Issy-les-Moulineaux, est un auteur de bande dessinée français reconnu pour son style singulier et sa capacité à explorer l’intime. Après des débuts dans la presse et l’illustration, il s’impose avec des séries comme Les Cosmonautes du futur ou Le Retour à la terre. Le Combat Ordinaire marque un tournant dans sa carrière, lui valant une reconnaissance internationale et de nombreux prix.

Image de couverture © Dargaud. Illustration par Manu Larcenet.

Le pitch du livre : Dans une Amérique des années 1950, sombre et corrompue, John Blacksad, détective privé félin au passé trouble, enquête sur des affaires mêlant meurtres, racisme, politique et trahisons. Chaque tome est une plongée dans les bas-fonds d’une société en crise, où la justice est souvent une illusion. Blacksad est un polar noir anthropomorphique, à la fois classique dans sa structure et moderne dans ses thématiques. C’est une œuvre élégante, violente et mélancolique, portée par un héros charismatique et désabusé.

Blacksad est bien plus qu’une bande dessinée policière : c’est une fresque narrative ambitieuse qui s’inscrit dans la tradition du roman noir tout en y apportant une touche graphique et narrative unique. Dès les premières pages, le lecteur est frappé par la qualité exceptionnelle du dessin de Juanjo Guarnido, ancien animateur chez Disney. Son trait réaliste, son sens du détail et sa maîtrise des ambiances font de chaque planche une œuvre d’art. Les décors urbains, les jeux de lumière, les expressions des personnages — tous animaux anthropomorphes — sont d’une richesse visuelle rare. L’univers de Blacksad est profondément inspiré par l’Amérique des années 40 à 60, avec ses tensions raciales, ses luttes politiques, ses désillusions post-guerre et son ambiance jazzy. Chaque tome explore un thème fort : la corruption dans Quelque part entre les ombres, le racisme dans Arctic-Nation, la guerre froide et la chasse aux sorcières dans Âme rouge, la désillusion artistique dans L’Enfer, le silence, et la crise écologique dans Amarillo. Ces récits, bien que fictifs, résonnent avec une acuité troublante dans notre monde contemporain.

Le personnage de John Blacksad, chat noir au regard perçant, incarne le détective classique : solitaire, cynique, mais profondément humain. Il évolue dans un monde où la morale est floue, où les puissants manipulent les faibles, et où la vérité est souvent dissimulée derrière des masques. Sa quête de justice est autant personnelle que professionnelle, et chaque enquête le confronte à ses propres démons. Le scénario de Juan Díaz Canales est d’une grande finesse. Il mêle suspense, émotion et réflexion sociale avec une fluidité remarquable. Les dialogues sont ciselés, les personnages secondaires sont tous mémorables, et la narration, souvent introspective, donne une profondeur psychologique à l’ensemble. Le rythme est maîtrisé, alternant scènes d’action, moments de tension et instants de poésie. Publié par Dargaud, maison d’édition emblématique de la bande dessinée européenne, Blacksad bénéficie d’une édition luxueuse, avec des albums grand format, des bonus graphiques et une qualité d’impression irréprochable. Dargaud accompagne les auteurs depuis le premier tome, leur offrant une liberté artistique totale et une reconnaissance internationale. La série a été saluée par la critique et le public, remportant de nombreux prix, dont le Prix du Public à Angoulême, le Prix Eisner et le Prix Harvey. Elle est traduite dans plus de vingt langues et considérée comme l’un des chefs-d’œuvre du neuvième art. Blacksad est une œuvre incontournable, qui allie beauté graphique, profondeur narrative et engagement social. Elle ravira les amateurs de polar, les passionnés de dessin et tous ceux qui cherchent une bande dessinée intelligente, sensible et captivante.

Juan Díaz Canales, né en 1972 à Madrid, est un scénariste espagnol passionné de bande dessinée et d’animation depuis son plus jeune âge. À 18 ans, il intègre un studio d’animation, où il rencontre Juanjo Guarnido. Ensemble, ils imaginent le projet Blacksad, inspiré des polars noirs américains. En 1996, il fonde le studio « Tridente Animation », collaborant avec des sociétés européennes et américaines. Blacksad est sa première série, mais il poursuit depuis une carrière prolifique, notamment avec Fraternity (dessiné par José-Luis Munuera) et Corto Maltese, qu’il scénarise depuis 2015.

Juanjo Guarnido, né en 1967 à Grenade, est un dessinateur espagnol formé aux Beaux-Arts. Il débute sa carrière dans l’animation, travaillant notamment pour les studios Disney à Montreuil, où il participe à des films comme Hercule, Tarzan ou Atlantide. Son expérience dans l’animation se reflète dans son style dynamique et expressif. En 2000, il publie avec Díaz Canales le premier tome de Blacksad, qui rencontre un succès immédiat. Son travail à l’aquarelle, son sens du mouvement et sa capacité à donner vie à des personnages anthropomorphes lui valent une reconnaissance internationale.

Image de couverture © Dargaud. Illustration par Juanjo Guarnido.