Le pitch du livre : Dans une Amérique des années 1950, sombre et corrompue, John Blacksad, détective privé félin au passé trouble, enquête sur des affaires mêlant meurtres, racisme, politique et trahisons. Chaque tome est une plongée dans les bas-fonds d’une société en crise, où la justice est souvent une illusion. Blacksad est un polar noir anthropomorphique, à la fois classique dans sa structure et moderne dans ses thématiques. C’est une œuvre élégante, violente et mélancolique, portée par un héros charismatique et désabusé.

Blacksad est bien plus qu’une bande dessinée policière : c’est une fresque narrative ambitieuse qui s’inscrit dans la tradition du roman noir tout en y apportant une touche graphique et narrative unique. Dès les premières pages, le lecteur est frappé par la qualité exceptionnelle du dessin de Juanjo Guarnido, ancien animateur chez Disney. Son trait réaliste, son sens du détail et sa maîtrise des ambiances font de chaque planche une œuvre d’art. Les décors urbains, les jeux de lumière, les expressions des personnages — tous animaux anthropomorphes — sont d’une richesse visuelle rare. L’univers de Blacksad est profondément inspiré par l’Amérique des années 40 à 60, avec ses tensions raciales, ses luttes politiques, ses désillusions post-guerre et son ambiance jazzy. Chaque tome explore un thème fort : la corruption dans Quelque part entre les ombres, le racisme dans Arctic-Nation, la guerre froide et la chasse aux sorcières dans Âme rouge, la désillusion artistique dans L’Enfer, le silence, et la crise écologique dans Amarillo. Ces récits, bien que fictifs, résonnent avec une acuité troublante dans notre monde contemporain.

Le personnage de John Blacksad, chat noir au regard perçant, incarne le détective classique : solitaire, cynique, mais profondément humain. Il évolue dans un monde où la morale est floue, où les puissants manipulent les faibles, et où la vérité est souvent dissimulée derrière des masques. Sa quête de justice est autant personnelle que professionnelle, et chaque enquête le confronte à ses propres démons. Le scénario de Juan Díaz Canales est d’une grande finesse. Il mêle suspense, émotion et réflexion sociale avec une fluidité remarquable. Les dialogues sont ciselés, les personnages secondaires sont tous mémorables, et la narration, souvent introspective, donne une profondeur psychologique à l’ensemble. Le rythme est maîtrisé, alternant scènes d’action, moments de tension et instants de poésie. Publié par Dargaud, maison d’édition emblématique de la bande dessinée européenne, Blacksad bénéficie d’une édition luxueuse, avec des albums grand format, des bonus graphiques et une qualité d’impression irréprochable. Dargaud accompagne les auteurs depuis le premier tome, leur offrant une liberté artistique totale et une reconnaissance internationale. La série a été saluée par la critique et le public, remportant de nombreux prix, dont le Prix du Public à Angoulême, le Prix Eisner et le Prix Harvey. Elle est traduite dans plus de vingt langues et considérée comme l’un des chefs-d’œuvre du neuvième art. Blacksad est une œuvre incontournable, qui allie beauté graphique, profondeur narrative et engagement social. Elle ravira les amateurs de polar, les passionnés de dessin et tous ceux qui cherchent une bande dessinée intelligente, sensible et captivante.

Juan Díaz Canales, né en 1972 à Madrid, est un scénariste espagnol passionné de bande dessinée et d’animation depuis son plus jeune âge. À 18 ans, il intègre un studio d’animation, où il rencontre Juanjo Guarnido. Ensemble, ils imaginent le projet Blacksad, inspiré des polars noirs américains. En 1996, il fonde le studio « Tridente Animation », collaborant avec des sociétés européennes et américaines. Blacksad est sa première série, mais il poursuit depuis une carrière prolifique, notamment avec Fraternity (dessiné par José-Luis Munuera) et Corto Maltese, qu’il scénarise depuis 2015.

Juanjo Guarnido, né en 1967 à Grenade, est un dessinateur espagnol formé aux Beaux-Arts. Il débute sa carrière dans l’animation, travaillant notamment pour les studios Disney à Montreuil, où il participe à des films comme Hercule, Tarzan ou Atlantide. Son expérience dans l’animation se reflète dans son style dynamique et expressif. En 2000, il publie avec Díaz Canales le premier tome de Blacksad, qui rencontre un succès immédiat. Son travail à l’aquarelle, son sens du mouvement et sa capacité à donner vie à des personnages anthropomorphes lui valent une reconnaissance internationale.

Image de couverture © Dargaud. Illustration par Juanjo Guarnido.

Le pitch du livre :
Chicago, fin des années 1960. Karen Reyes, une jeune fille de dix ans passionnée par les monstres et les films d’horreur, se rêve en loup-garou détective. Lorsque sa voisine, Anka, une survivante de l’Holocauste, est retrouvée morte dans des circonstances mystérieuses, Karen décide de mener l’enquête. À travers son journal intime illustré, elle explore les secrets enfouis de son quartier, les traumatismes de l’histoire et les ombres qui hantent les adultes. Moi, ce que j’aime, c’est les monstres est une œuvre poignante, étrange et profondément humaine, où l’innocence côtoie l’horreur.

Cette oeuvre est bien plus qu’un roman graphique : c’est une expérience immersive, un objet littéraire et artistique hors norme. Conçu comme le journal intime d’une enfant, le livre se présente sous la forme d’un cahier d’écolier à spirales, entièrement dessiné au stylo bille, avec une virtuosité graphique qui force l’admiration. Chaque page est une œuvre d’art à part entière, mêlant croquis, collages, pastiches de couvertures de pulps horrifiques et compositions foisonnantes.

L’univers visuel d’Emil Ferris est profondément influencé par les films de monstres des années 1930 à 1950, les comics d’horreur, l’expressionnisme allemand et l’art outsider. Mais derrière cette esthétique gothique et baroque se cache une œuvre d’une grande sensibilité, qui explore les marges de la société à travers le regard d’une enfant différente, queer, passionnée par ce que les autres rejettent.

Le récit est dense, labyrinthique, à la fois enquête policière, chronique sociale et introspection psychologique. Il aborde des thématiques lourdes avec une délicatesse rare : la Shoah, le racisme, l’homophobie, la pauvreté, la maladie mentale, mais aussi l’amour filial, la découverte de soi et la puissance de l’imaginaire comme refuge. Karen, l’héroïne, utilise les monstres comme métaphore pour comprendre le monde et se protéger de sa brutalité. Dans son regard, les monstres ne sont pas ceux que l’on croit : ce sont souvent les plus humains.

L’œuvre se distingue aussi par sa narration fragmentée, non linéaire, qui reflète la manière dont les souvenirs, les émotions et les traumatismes s’entrelacent dans l’esprit d’un enfant. Cette structure complexe, alliée à une richesse visuelle inédite, fait de Moi, ce que j’aime, c’est les monstres un livre exigeant, mais profondément bouleversant.

Emil Ferris, née en 1962 à Chicago, est une artiste et écrivaine américaine. Victime du virus du Nil occidental en 2002, elle perd temporairement l’usage de ses jambes et de sa main droite. C’est pendant sa convalescence qu’elle commence à dessiner Moi, ce que j’aime, c’est les monstres, son premier roman graphique. Publié en 2017 après de nombreuses difficultés éditoriales, le livre est salué comme un chef-d’œuvre et remporte plusieurs prix prestigieux, dont trois Eisner Awards en 2018. Ferris est aujourd’hui considérée comme une voix singulière et essentielle dans le monde de la bande dessinée.

Monsieur Toussaint Louverture, maison d’édition française indépendante, est connue pour son exigence artistique et son catalogue audacieux. En publiant Moi, ce que j’aime, c’est les monstres, elle a permis à l’œuvre d’Emil Ferris de rencontrer un large public francophone, confirmant son statut de classique contemporain.

Synopsis de l’éditeur :
Deux Filles nues est une œuvre graphique puissante et intime, dans laquelle Luz explore les thèmes du désir, de la mémoire et de la reconstruction. À travers une narration fragmentée et poétique, l’auteur met en scène deux femmes, deux corps, deux présences qui se cherchent, se confrontent et se dévoilent. Loin d’un récit linéaire, l’album propose une expérience sensorielle et émotionnelle, portée par un dessin libre, expressif et profondément personnel.

Avec Deux Filles nues, Luz signe une œuvre à la fois pudique et audacieuse, où l’intime devient le terrain d’une exploration artistique sans concession. Loin des codes traditionnels de la bande dessinée, l’auteur adopte une approche presque picturale, jouant avec les formes, les couleurs et les silences pour traduire des émotions brutes. Le récit, volontairement éclaté, reflète la complexité des relations humaines et la difficulté de dire l’indicible. Luz ne cherche pas à raconter une histoire au sens classique du terme, mais plutôt à faire ressentir. Chaque planche est une variation sur le thème du corps, du regard, du souvenir. Les deux protagonistes, jamais nommées, deviennent des figures universelles du désir et de la perte. Le lecteur est invité à se laisser porter par les sensations, à accepter de ne pas tout comprendre, mais à tout ressentir.

L’album est aussi une réflexion sur la représentation du nu dans l’art, entre érotisme, vulnérabilité et puissance. Luz y interroge son propre regard, celui du lecteur, et celui de la société. Il brouille les frontières entre le réel et l’imaginaire, entre le vécu et le fantasmé, dans une démarche profondément introspective. Le trait de Luz, libre et nerveux, se libère des contraintes narratives pour mieux épouser les contours de l’émotion. Les couleurs, souvent chaudes et saturées, évoquent la chair, la chaleur, mais aussi la douleur. Certaines pages, presque abstraites, rappellent les expérimentations des peintres expressionnistes. Récompensé par le Fauve d’or au Festival d’Angoulême 2025, Deux Filles nues a marqué les esprits par sa singularité et sa sincérité. C’est une œuvre qui ne laisse pas indifférent, qui dérange parfois, mais qui touche toujours. Une bande dessinée qui dépasse les genres pour devenir une expérience artistique à part entière.

Luz, de son vrai nom Renald Luzier, est un dessinateur de presse et auteur de bande dessinée français. Connu pour son travail à Charlie Hebdo, il a marqué les esprits avec Catharsis, un album poignant publié après les attentats de 2015. Avec Deux Filles nues, il poursuit une œuvre introspective et artistique, où l’intime devient universel.

Le synopsis d'Urban Comics :

« Après une vie de crime et de violence, Ryder est tombée amoureuse et a choisi de se ranger pour se concentrer sur son rôle de mère. Mais lorsqu’elle apprend que tout ce pour quoi elle s’est battue risque de lui être enlevé, elle reprend ses revolvers et se met en route, car le temps lui est compté. Direction : Cypress, la ville à l’autre bout du monde. Son objectif : tuer celle qui tente de lui prendre la vie… la Mort elle-même. »

Ambiance western… US en tous les cas. L’héroîne s’assagit et se range mais tout le monde ne le voit pas ainsi. Il est temps de ressortir les « guns ». BD atypique et bien sympa. C’est du comics solide. De grandes planches joliment colorisées avec peu de texte. C’est très visuel… En même temps c’est de la BD !!! On passe un bon moment. Les deux auteurs sont à leur affaire. Ils savent nous emmener et nous faire nous attacher aux personnages. De la bonne dramaturgie. Cela tient la route. Un moment de BD agréable.

Skottie Young (né le 3 mars 1978) est un artiste de bande dessinée américain, illustrateur de livres pour enfants et écrivain. Il est surtout connu pour son travail avec divers personnages de Marvel Comics, ses adaptations en bande dessinée des livres d'Oz de L. Frank Baum avec Eric Shanower, sa série de bandes dessinées I Hate Fairyland, et une série de romans avec Neil Gaiman, Fortunately, the Milk.

Jorge Corona est un dessinateur vénézuélien et le lauréat du prix Russ Manning en 2015. Écrivain et illustrateur, ses œuvres incluent We are… Robin, Nightwing, et The Flash pour DC Comics; Big Trouble in Little China: Old Man Jack, Adventure Time Comics, Jim Henson’s The Storyteller: Dragons, et d'autres pour BOOM! Studios. Corona est également le co-créateur de Goners et No. 1 With A Bullet (nominé pour les Eisner Awards 2018 du meilleur artiste de couverture) aux côtés de Jacob Semahn pour Image Comics, et créateur de Feathers, sa fantasy sombre pour tous les âges, pour Archaia Entertainment. Corona travaille actuellement en tant qu'illustrateur et co-créateur de Middlewest d'Image Comics avec l'écrivain Skottie Young. Jorge vit à Denver, CO avec sa femme et artiste, Morgan Beem.

Synopsis de Casterman : "Les Cigares du Pharaon" raconte les aventures de Tintin, un jeune reporter, et de son fidèle chien Milou. Lors d'une croisière en Méditerranée, Tintin rencontre le professeur Philémon Siclone, un égyptologue excentrique. Ensemble, ils découvrent un complot international impliquant des trafiquants de drogue et des momies mystérieuses. Leur périple les mène à travers l'Égypte, l'Arabie et l'Inde, où ils affrontent de nombreux dangers et déjouent les plans des criminels.

Cet album est souvent salué pour son intrigue captivante et ses rebondissements inattendus. Hergé utilise des éléments de mystère et d'aventure pour créer une histoire palpitante qui tient le lecteur en haleine. Les critiques louent la capacité de Hergé à intégrer des éléments historiques et culturels dans sa narration, offrant ainsi une œuvre à la fois divertissante et éducative. Le dessin en ligne claire est apprécié pour sa précision et sa clarté, rendant chaque planche vivante et mémorable. Ce chef-d’œuvre a été publié pour la première fois en 1934 et a marqué un tournant dans la carrière de Hergé, consolidant sa réputation en tant que maître de la bande dessinée. "Les Cigares du Pharaon" est également notable pour avoir introduit des personnages récurrents comme le détective Thomson et le professeur Siclone, qui deviendront des figures emblématiques de la série.

Hergé (1907-1983), de son vrai nom Georges Remi, est un dessinateur et scénariste belge. Il est surtout connu pour la série "Les Aventures de Tintin", mais a également travaillé sur d'autres projets comme "Quick et Flupke" et "Jo, Zette et Jocko". Hergé a marqué l'histoire de la BD par son style distinctif et son engagement à créer des histoires riches en détails et en émotions.