Pitch de l'exposition :

« Conçue par l’agence 9e art (Nicolas Finet), l’exposition Jirô Taniguchi, l’homme qui rêve rendra compte du talent et du parcours créateur de cet artiste complet. Autour de 300 pièces de collection, chaque visiteur pourra devenir à son tour, par l’entremise de quelque 300 originaux et reproductions, un « homme qui marche » au fil d’une œuvre multiforme, à la rencontre de quelques-uns des thèmes majeurs qui structurent le travail du maître japonais : les grands espaces et la nature, la relation profonde aux racines, aux origines, à la famille, l’art de la narration paisible, le sens de l’écoulement du temps mais aussi l’hommage aux plaisirs de la table, célébrés non seulement dans Le Gourmet solitaire -sa série la plus populaire au Japon, mais dans presque tous ses livres. Au fil de la déambulation sera aussi évoquée l’originalité du lien qui, de Moebius à Benoît Peeters ou Igort, unit Taniguchi à ses pairs européens ».

Durant le printemps de déroulera dans le nouvel espace d'exposition culturel versaillais l'Espace Richaud une exposition consacrée à Jirô Taniguchi. Jirô Taniguchi est né le 12 août 1947 au Japon. Il débute dans la bande dessinée en 1970.. Il publie de nombreux ouvrages associés notamment à Natsuo Sekikawa. À partir de 1991, Jirô Taniguchi signe seul de nombreux albums, dont L'Homme qui marche, Le Journal de mon père (notre illustration ci-dessous), Quartier Lointain ou encore Terre de rêve, publiés par Casterman. Le premier volume de Quartier Lointain a remporté, lors du Festival d’Angoulême 2003 deux prix. Il est fait Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres en 2011

Alain Dodier est un scénariste et dessinateur de Bande Dessinée, français, né en mai 1955 à Dunkerque. Il est notamment connu pour sa série Jérôme K. Jérôme Bloche. Il a collaboré aussi avec Makyo et Le Tendre. Il a reçu en 2010 le Prix de la série à Angoulême. Il sort son 25e album et nous le découvrons en 2009 dans cette vidéo intéressante. On le connait peu et on le découvre mieux.

Le synopsis de Scutella :

« victime d’une machination et traqué par la police, un maître d’armes au passé sombre tente de
démasquer le vrai coupable avant qu’il ne soit trop tard. »

C'est un polar. En cela rien de bien original mais l'action est transposée dans les années 40. Dans le milieu de l'escrime aussi. C'est suffisamment atytique pour que le Vieux Fumetti s'y intéresse. Graphiquement c'est très intéressant. C'est un mélange en fait car l'auteur nous vient du roman graphique. C'est aussi un personnage à cheval sur deux mondes ; le comics et la ligne claire. Le BD US et la BD franco-belge. On sent bien les deux univers qui cohabitent. Cela donne un œuvre différente. Le personnage est plaisant. On apprend vite à l'aimer. Il est mystérieux mais très franc aussi. Le fait qu'il évolue dans le monde d'Hollywood rajoute une touche de « je ne sais quoi » qui donne du piment à l'ensemble. Bref c'est un album sympa que l'on lit avec plaisir. C'est il faut le noter un 120 pages et un format 19 x 27.7 cm . Il est sorti en janvier mais vous le trouverez facilement. Enjoy !!!!

Dan Christensen naît en Californie, grandit en Arizona, puis déménage en France. Après deux années passées à l’École des Beaux-Arts d’Angoulême, il obtient son diplôme et se lance dans la bande dessinée. Il est l’auteur de plusieurs romans graphiques, dont Red Hands, Paranormal, et Archer Coe & The Thousand Natural Shocks (avec Jamie S. Rich au scénario). En parallèle de son travail d’auteur de bande dessinée, Dan est également traducteur pour Ankama, Dargaud et Futuropolis, et a illustré de nombreux livres pour l’éditeur de jeux de rôles américain Hero Games.

Alex W. Inker alias Alex Widendaele vient de sortir son premier album, Apache, chez Sarbacane. Oncle Fumetti a souhaité aller à sa rencontre pour en savoir plus. Il répond à ses questions.

Présentez-vous Alex. Inker. Qui êtes-vous ? D’où venez-vous ? Pourquoi ? Comment ? Et pourquoi ce pseudo ?

Je dirais un passionné d'images quelles qu'elles soient. Et surtout de récits en images. Ce qui m'a amené à la bande dessinée et au cinéma dans mon cursus. Un passionné de dessin aussi, c'est quelque chose que je sais faire pas trop mal, et que j'ai toujours fait, donc ce serait dommage de s'en priver.

Je viens du Nord et plus précisément de l'Avesnois. J'ai pas mal bougé dans ma vie, mais finalement j'y suis encore.

Alex W. Inker, c'est à peine un pseudonyme. C'est plus comme une carte de visite. Alex — mon prénom — W. pour mon nom de famille, d'origine flamande, donc compliqué à écrire correctement et à retenir — et Inker — "encreur" en anglais, un des métiers de la bédé, et surtout l'une des choses que je préfère dans la pratique, l'encrage, au pinceau dans le cas présent. Mon nom et ma fonction.

Votre cursus semble contenir un passage à Saint Luc. Pourquoi cette école ? Et comment passe-t-on du cinéma à la BD ?

Comme je disais, je savais dessiner pas trop mal, je voulais profiter de cette chance. Donc, mon bac en poche, j'ai tenté le concours d'entrée de Saint-Luc, c'était la seule école de bédé que je connaissais, et j'y ai passé trois super années à dessiner en suivant les conseils de très chouettes profs au milieu d'un medley de jeunes dessinateurs aux styles et aux idées complètements différentes. C'était il y a plus de dix ans maintenant. Rétroactivement, ce qu'il me reste vraiment c'est la discipline que j'y ai appris et qu'impose la bédé. Le cinéma c'était après. Je suis sorti de Saint-Luc à vingt ans, j'avais encore des choses à apprendre et je ne me sentais pas de me lancer dans une quelconque carrière de dessinateur si jeune. Je suis parti rejoindre mon frère à la fac en cinéma et j'ai continué à apprendre pas mal de choses sur le montage, la narration, et surtout j'ai pu, jusqu'en thèse (que je n'ai pas eu l'occasion de terminer), consacrer mes recherches aux rapports qu'ont tissé cinéma et bande dessinée au fil de leur histoire respectives voire de leur préhistoires.

Parlez-nous de « Apache ». Pourquoi ce livre, cette époque ? Pourquoi ce sujet ?

APACHE est un exercice. J'allais devenir papa, ce qui impliquait financièrement que je mette ma thèse qui n'était pas financée en stand-by. Ma thèse me prenait tout mon temps du coup j'étais un peu plus libre pour réfléchir à un projet et je me suis dit que c'était le moment ou jamais. Je me suis donc imposé un petit exercice : j'ai pris un fait divers dans un vieux numéro de L'Illustration sur une soirée hippique parisienne et je me suis acheté une moleskine. De là, j'ai imaginé une petite galerie de personnages et j'ai brodé un polar. Le but du jeu c'était de remplir la moleskine à raison d'une page par jour au minimum. Ce qui me laisser le reste de la journée — que je passais à travailler dans une imprimerie — à réfléchir à la tournure que prendrait la suite des évènements, à réfléchir aux dialogues, etc.

Parlez-nous de votre style si reconnaissable ? Pourquoi ce trait ? Pourquoi cette colorisation ? C’est une façon de vous singulariser ? De marquer votre territoire et votre empreinte ?

Non, pas du tout, c'est juste l'outil qui a fait le style. J'aime l'encrage au pinceau comme je disais. La colorisation en revanche s'ancre dans l'époque du récit. Je suis allé dans mes archives sortir des vieilles pages de Félix, de Zig et Puce, de Frisepoulet, etc.

Pourquoi un jeune auteur dans ce qui semble être une première œuvre ou au moins son premier album s’attaque-t-il à sujet si difficile et si peu travaillé dans le 9ème art ?

Heureusement qu'il reste des sujets peu travaillés dans le 9ème art. On tournerait en rond sinon.

Comment travaillez-vous ? Avec quels outils ? Alors mine de plomb ou Photoshop ?

Sur ce point j'avoue être un peu old-school entre mes encrages au pinceau et mon lettrage à la sergent major.. Je ne suis pas psychorigide, c'est surtout que j'aime garder une trace directe de mon travail. J'ai un peu de mal avec l'idée de dématérialiser com

Qu’est-ce qui vous intéresse le plus ? La narration ou le dessin ?

La narration définitivement. Si mon appartement prenait feu et qu'il fallait que je sauve mon travail, je laisserais brûler mes planches mais j'emporterais mes moleskines.

Quels sont vos modèles dans le dessin ? Vos références.

Dans ceux qui encrent au pinceau, je pense à Milton Caniff, Seth, Charles Burns... mais je me souviens d'avoir été particulièrement soufflé devant la finesse de l'encrage d'une planche de Floyd Gottfredson.

Qu’évoque pour vous Little Nemo in Slumberland

L'attraction bien sûr, mais surtout l'immersion. Winsor McCay est un dessinateur génial doublé d'un showman hors pair, c'est un forain et c'est dans les foires du dix-neuvième siècle qu'est né l'entertainment du vingtième siècle. Il a vite compris qu'avec le peu de moyen qu'offre la bande dessinée il avait un pouvoir illimité. J'ai les grandes rééditions de chez Delcourt, les planches y sont au format de leur publication dans le New York Herald, elles font littéralement écran. Et ce sont des écrans poreux, tout dans ses planches est organisé pour travailler le lecteur au corps, s'adresser directement à lui, le dessin, la perspective, la couleur... Dans les années dix quand il se met au cinéma d'animation, l'écran est toujours poreux, soit c'est McCay lui-même, bonimenteur, qui invite le spectateur dans le film comme dans Gertie the Dinosaur (1914), soit ce sont les personnages qui sortent du film comme dans Bug Vaudeville (1921) ou alors il efface les limites de l'écran, l'obscurité de la salle se marie à celle du film, et invite les spectateurs à le suivre dans l'espace où l'emmène The Flying House (1921), c'est le même principe que pour Gravity (2013). Sur le papier tout est possible.

Et vos futurs projets quels sont-ils ?

J'ai deux moleskines qui se remplissent. Pour l'instant je vais rester discret sur leur contenu.

Merci Alex et à bientôt.

« A mes débuts, je m’inspirais de très près de photos et je travaillais en noir et blanc avec des zones d’ombres et de lumières très franches modelées, nuancées, par un travail aux petits points (au stylo tubulaire Rötring). Pour la couleur, j’ajoutais des jus d’encre transparente et je faisais parfois des reprises à la gouache et des collages. Par la suite, j’ai mis de moins en moins de petits points (trop long et trop fatigant) pour travailler le modelé avec la couleur elle-même. Je me suis mis à l’aérographe que j’ai utilisé pendant bien des années et que je n’ai remisé que très récemment, trop heureux d’abandonner cet engin infernal au bénéfice de l’ordinateur. J’ai fait pas mal de choses à l’acrylique, aussi, dans le domaine de l’illustration, le plus souvent avec cerné noir, proche du style BD, mais parfois plus proche de la peinture proprement dite, sans cerné et où la touche est apparente. Depuis quelques années, j’utilise beaucoup l’ordinateur, en partant d’un dessin sur papier, soit travaillé au crayon et modelé (Abzalon, par exemple), soit encré avec un cerné noir – qui ensuite ne reste pas forcément noir, d’ailleurs. ». Tiré d'une interview sur le site actusf.com par Jérôme Vincent.

Caza de son vrai nom Philippe Cazaumayou est né en 1941 à Paris. C'est un auteur français de Bande Dessinée et un illustrateur. Son parcours est riche. À 18 ans, il monte à Paris et devient apprenti chez un affichiste, puis il est graphiste publicitaire indépendant. Dans les années 70, il partage son activité entre des illustrations et couvertures pour diverses publications notamment les Editions Opta, éditeur fameux pour les connaisseurs avec lesquels Philippe Druillet et Moebius collaborèrent également.. Il dessine des histoires courtes dans le magazine Pilote. Il illustre les œuvres d'auteurs connus comme ; Farmer, Asimov, Merritt, Brackett. Ses séries les plus fameuses sont ; Le Monde d'Arkadi ou Amiante. Sa carrière est longue et très réussie. Il est moins connu que certains mais son trait est reconnaissable des puristes qui lui vouent une grande admiration.